Les Vidéos du TD3

Ici, vous, membres du TD02 vous pourrez poster vos vidéos !

Voici notre adaptation cinématographe de Mademoiselle Julie de Strindberg.
Par Anthony Hamel, Jean-Sébastien Jandura, Anaëlle Jean-Nicolle et Evan PPG.

La cuisine d'ELVIS réalisé par Nicolas Pelletier, Jeanne Gommé, Arthur Jan.

En lisant la pièce La cuisine d’Elvis, nous avons pu recenser différents éléments qui nous ont tous marqués, des détails qui nous ont énormément inspirés pour notre adaptation, tout d’abord dans les trait des personnages nous avions dans nos fruit deux acteur qui se prêtaient parfaitement au rôle de Stuart et de Jill, que ce soit dans le panel d’émotion ou le physique en exemple, Arthur est le meilleur des pires sosies anglais d’Elvis. Les adaptations théâtrales nous ont aussi beaucoup inspirés dans les costumes avec le peignoir ou le costume d’Elvis arrangé par nos soins. Il nous a paru évident de faire ressembler le plus possible nos acteurs par rapport aux personnages pour ne pas avoir à sur jouer la pièce. Nous parlons de sur jouer car la scène 19 nous annonce réellement le tempérament de chacun en temps de crise, leurs vrais visages et faire d’une scène si forte une pâle copie ne serait pas rendre justice au génie de Lee Hall. Nous avons choisi d’introduire certains éléments très présents dans la pièce comme la nourriture toute aussi apparente dans notre adaptation mais nous avons pris certaines libertés. Même si les didascalies font parties du comique de la pièce, nous cherchions tout comme Lee Hall avec le mythe de Thyeste à réécrire le texte (en s’adaptant au format cinématographique). Mais le détail qui nous a vraiment marqué a été le personnage de Dad, omniprésent et pourtant inexistant, n’y avait-il pas de nouvelle possibilité avec une adaptation vidéo pour montrer le monde d’Elvis, celui dans lequel il s’étiole sans limite avec des idées politiques, patriotiques et dans un rôle de star internationale, toute notre scène 20 repose sur l’idée du monde du King. Autre détail qui nous a questionné, la réalité de cet événement la rencontre improbable et pourtant vraie d’Elvis et de Nixon, ce qui nous détaille encore plus le niveau d’implication de Dad dans ce rôle, l’idée de mettre la famille de Dad dans la vie d’Elvis est un élément symbolique pour nous montrer que malgré l’absence de ce personnage auprès de sa famille, elle reste toujours présente. et la ressemblance entre Mam qui se fâche et Dad qui s’en va, et Priscilla qui se fâche et Elvis qui s’en va sont des petits détails qui donnent un nouveau sens à la pièce. Ce fut une très bonne expérience, un gros travail d’équipe qui s’est bien passé et l’approbation de Marcial nous a fait chaud au cœur.

Dom Juan réalisé par Vincent Huguet, Laura Henicker, Marion Lechevallier et Betty Gresselin

Voici notre interprétation du Songe, par A. Gosselin, T. Grente, C. Grumier, B. Hebert et C. Jeanne.




                                                               Le Songe d’une Nuit d’Eté – William Shakespeare
                                                                                  Note d’intention
      Nous avons travaillé sur l’extrait de cette comédie de Shakespeare qu’est le Songe d’une Nuit d’Eté, c’est-à-dire la première scène du troisième acte, lorsque Titania, enchantée, rencontre et tombe amoureuse de Bottom, enchanté également. Nous avons choisi de retravailler cet extrait de manière cinématographique, en gardant une époque un peu classique car nous trouvions cette temporalité parfaite afin de garder l’humour de la scène. En effet, le texte de Shakespeare avait ses jeux de mots qui disparaîtraient avec une modernisation. Il manquait dans notre extrait, par rapport au texte original, le passage de l’enchantement de Bottom qui devient un âne. En effet notre scène aurait été trop longue en le rajoutant. Ainsi, nous avons voulu rappeler cet acte avec Puck. Etant donné que c’est lui qui enchante Bottom, nous avons voulu le montrer en mettant Puck, interprété par fruit, derrière Bottom, Benoît, et de lui faire avec ses mains des oreilles d’ânes. Ensuite dans notre scène, nous avons choisi de mettre une perruque pour Flûte, joué ici par Tanguy, lorsque celui-ci doit jouer le rôle de Thisbé. Ainsi, en plus de sa voix fluette, cela montre également la volonté pour l’acteur de ne pas jouer le rôle d’une femme. Enfin, nous avons voulu faire de Titania un personnage digne de son rang et de son côté très nature en l’habillant d’une simple robe blanche avec une couronne de fleur. Enfin, dans notre mise en scène, nous avons décidé de laissé leurs textes aux garçons. En effet, cela rentre pour nous dans la logique de la pièce puisqu'ils répètent du théâtre et de plus, du fait qu'ils n'aient jamais eux-même joué du théâtre, ce derniers avaient un support leur permettant d'être rassurés.
      Il est vrai que nous avons eu quelques soucis de mise en scène. Au moment de notre exposé, notre projet était tout autre. Nous voulions montre le Songe d’une Nuit d’Eté dans un environnement complètement différent par le biais du « sous-scène » de la comédie de Caen. Cependant, nous espérions, en vain, une réponse même tardive. Ainsi nous avons dû trouver un autre lieu de tournage, et c’est ainsi que notre attention s’est porté sur la forêt de Grimboscq, à environ 15 km de Caen. Cependant, un de nos amis qui nous aidait pour le tournage en tant que caméraman, s’est désisté ainsi que sa caméra pour des raisons professionnelles. Aucun de nous n’ayant le permis, ainsi le transport pour la forêt devenait impossible. C’est ainsi, un peu par hasard, que nous nous sommes trouvés devant le bosquet du cimetière protestant derrière la Bibliothèque de droit. Le côté naturel était présent, nous avons essayé au mieux de ne filmer ni pierres tombales, ni extérieur du cimetière, et les bruits extérieurs n’étaient pas trop encombrants.
      Ainsi, filmé grâce à deux téléphones portables, nous sommes assez fiers de notre vidéo. Enfin, au montage, nous avons décidé de filtrer le film en sépia. En effet, nous avons choisi ce filtre afin de souligner le fruit du rêve de cette comédie que l’on peut aussi rattacher au principe de monde féerique. De plus, cela nous arrange également pour une question technique, le filtre sépia rajouté au montage masque au plus possible la différence de qualité vidéographique entre les deux téléphones utilisés.
      L’entente au sein de notre groupe fut chaleureuse dès le début et nous sommes fiers de dire que ce projet, dans lequel nous nous sommes investis au maximum afin d’obtenir ce résultat que l’on espère satisfaisant, nous aura permis de faire d’excellentes rencontres.

La nuit des roi de William SHAKESPEARE



Note d'intention:

Le projet sur lequel nous travaillons est un extrait d'une pièce de théâtre qui se nomme La nuit des rois de William Shakespeare, écrite entre 1600-1601. A cet époque les femmes n'avaient pas le droit de jouer. Ceux qui jouaient des rôles de femmes étaient de jeunes hommes qui n'avaient pas encore mués. On peut donc dire que c'est une forme de travestissement. Cependant, dans l'extrait que nous traitons la question sur le travestissement se pose. En effet, il n'est plus question d'homme qui joue un femme mais une femme qui joue un homme. L'histoire parle donc d'une jeune fille du nom de Viola qui se déguise en page, sous le nom de Cesario, et prends l'identité de son frère jumeau Sébastian, perdu dans un naufrage, et se met au service d'Orsino, un grand Duc. Celui-ci aime Olivia, une jeune noble qui ne partage pas les mêmes sentiments à son égard. Le moment que nous travaillons se situe au début de la pièce (Acte I, scène 5) quand Viola apporte le transport d'Orsino à Olivia. Une scène pleine de rebondissements que nous avons décidé de traiter ainsi: nous avons coupé l'extrait en deux parties.

Dans la première partie nous avons décidé d'établir entre les personnages un rapport plus direct et plus ferme, en se basant sur l'enchaînement des répliques qui donnent un effet plus rythmé à la scène car ce sont des répliques courtes. Pour donner cet aspect comique, nous nous concentrons principalement sur les personnages et donc les comédiens. Au niveau de la répartition des rôles, elle a été faite ainsi : Luka joue Maria et Malvolio ( deux serviteurs d'Olivia féminin et masculin), Romain joue Olivia car l'idée était de rester dans le thème de l'époque où la femme était jouée par un homme et pour finir, Gweltaz et Nikita qui se répartissent le rôle de Viola. Le fait que Gweltaz et Nikita jouent le même personnage, c'est pour rester dans l'idée que Viola est un personnage féminin qui joue un homme mais aussi un homme qui peut jouer une femme, comme à l'époque. Cette confusion fictive, qui vient essentiellement des personnages, est transposée en confusion réelle, car en plus des personnages qui croient que Viola est un homme, le spectateur est lui-même dans cette position de doute car il voit une femme et un homme jouer le même rôle. Ce fut une touche personnelle que nous avons voulu exploiter durant le tournage du projet. C'est donc de cette façon que nous avons voulu mettre en évidence l'aspect comique de la scène en plus du texte.

Pour cette partie nous préférons suivre les didascalies et jouer en intérieur parce qu'elle permet aussi au public de bien suivre l'histoire que nous traitons et de repérer les différents personnages présents sur scène et les comédiens qui les jouent. La Cité Théâtre est un lieu qui nous a gentiment été proposé et que nous avons pris sans hésiter, parce que cette scène offre tout le confort du jeu, que ce soit au niveau de l'espace scénique, de la qualité de la régie son et lumière et de l'aspect théâtral que nous souhaitons dégager dans cet extrait. Cependant nous prenons conscience que cet espace bien qu'il soit pratique, nous fige dans une position de jeu qui peut s'avérer longue pour le regard du spectateur, alors nous avons décidé de mélanger le cinéma à ce côté théâtral en y ajoutant un jeu de caméra.
On commence par un plan général avec les effets de lumières et le paravent (jeu de mots sur le voile qu'Olivia demande à Maria dès la première réplique), pour apercevoir le tout. Ensuite, lors de la prise de parole on découpe les points de vue en trois phases : Vue du public, vue latérale (sur scène mais on perçoit les comédiens de profil) et des gros plans.
Cet effet permet de dynamiser le jeu et le regard du public sans pour autant le rendre malade.

En ce qui concerne les voix, la question a été étudiée sous toutes ses formes, c'est-à-dire, si nous préférons le direct au théâtre ou si nous enregistrons nos voix comme au cinéma. La question se posait sur le plan artistique et technique. Pour perturber davantage le spectateur, on a pensé dans un premier temps à mettre la silhouette de Nikita qui est doublée par la voix de Gweltaz. A ce moment précis, le spectateur entend une voix d'homme mais voit une femme. Cette forme de mise en scène révèle le côté artistique. Si l'on enregistre que la voix de deux comédiens, cela choque d'un point de vue technique et sonore. Au niveau de la qualité, le son rendra moins bien. Ce choix technique nous a permis de faire un lien avec la seconde partie qui s'avère plus complexe au niveau de la réalisation.


Dans notre deuxième partie, c'est à cet instant que le travail a été plus technique. Nous n'avons pas choisi l'aspect théâtral et n'avons pas suivi les didascalies puisque nous avons tourné en extérieur, de nuit. Cette partie en extérieur nous a été inspirée par le comportement froid et glacial d'Olivia qui ne désire qu'une seule chose, ne plus écouter les sentiments d'Orsino apportés par Viola et les fuir.
Les comédiens jouent toujours leur rôle, à l'exception de Nikita qui laisse la place à Gweltaz doublé par celle-ci. Ce choix nous paraissait plus juste. En accentuant ce côté travestissement, on met en évidence les règles du jeu scénique de l'époque mais aussi le regard qu'Olivia porte sur Viola car elle voit bien un homme et non une femme à ce moment. C'est le premier point sur lequel nous nous sommes concentrés et nous sommes mis d'accord au moment du «travail de table». Après nous avons ajouté tous les autres aspects sur ce projet.

Quittons le côté théâtral et intéressons nous à l'aspect cinématographique qui relie l'esthétisme de la première partie et la technique, qui nous a valu énormément de temps passé dans les rues de Caen. Tout d'abord, cette ville a été choisie parce qu'elle proposait une architecture que l'on peut facilement assimiler avec l'architecture de l'époque de Shakespeare. Bien évidemment, nous avons conscience que ce n'est pas la même, mais elle semblait apporter un plus à notre projet et nous permettait de sortir de nos quatre murs. Le jeu était très simple, seul le point de vue de la caméra comptait. On a décidé de mettre la caméra derrière la personne qui parle et de ne faire que du contre-champs. Cela signifie que celui qui «reçoit» l'émotion ne peut se cacher puisqu'il est face à la caméra. Les prises de vues restent assez simples mais elles apportent aussi ce petit côté comique: quoique fasse Olivia, elle sera toujours suivie par Viola qui doit transmettre son message.
Ce choix cinématographique provient aussi du fait que le comique s'accentue textuellement avec la présence du Pathos (sentiments dis de façon exagérés). Le rythme est plus calme que la partie précédente mais il n'en est pas moins soutenu, alors nous avons soutenu notre texte et laissé le reste à la caméra et au lieu choisit.

Les voix sont toujours enregistrées, le seul changement est que la doublure de Gweltaz est Nikita, mais pour le reste nous ne changeons rien et vue les conditions climatiques, l'enregistrement était plus que nécessaire.


En sommes, pour notre projet nous nous sommes concentrés sur la question du travestissement, qui est le sujet principal à l'époque de Shakespeare, sur le manque d'identité, d'où le fait que nous ayons choisit l'effet «double» pour le personnage principal, et sur le comique connoté par le pathos de notre extrait et les quiproquos dans la pièce. Nous avons choisi une approche plus artistique et sociale qu'un point de vue contextuel et politique, ce qui explique l'intemporalité de notre projet. Le fait est que nous voulions que le spectateur puisse s'identifier à nos personnages alors que nous suivions quelques conventions de l'époque. Nous les avons juste ré-adapter selon nos envies et interprétations personnelles.

Voilà la captation de la pièce Les Oiseaux d'Aristophane du groupe de DLecoffre (pièce de théâtre). Ils ont réadapté l'extrait en un jeu de rôle en ligne, où les protagoniste se retrouve dans un univers peuplé d'oiseaux aussi vindicatif qu'idiot. Bon film !


[Note de l'administrateur : j'ai changé de place la vidéo car elle n'avait pas été postée dans la bonne section, mais le travail a bien été rendu le mercredi 16 novembre à 22h43]

Inflammation du verbe vivre - Wajdi Mouawad

Adaptation cinématographique de la pièce de Wajdi Mouawad par Quentin Jossier, Gaëlle Hamard et Nicolas Langlois.

Wahid se rend dans l'Hadès dans l'espoir de trouver son ami, le poète Robert Davreu.





Note d'intention:

Inflammation du verbe vivre est une pièce qui a été écrite par Wajdi Mouawad en 2015. Ce dramaturge, inspiré par les écrits de Sophocle, a entrepri de monter une pièce sur ces récits, qui ont été directement traduits par son ami Robert Davreu. Cette pièce, appelée "Les Derniers jours de sa vie", est composée de trois parties majeures. La première, qui se nomme "Des femmes", regroupe les récits des Trachiniennes, d'Antigone et d'Electre. La seconde, appelée "Des héros", regroupe les récits d'Ajax et d'Odipe Roi. Et la dernière partie, nommée "Des mourants" regroupe les récits de Philoctète et d'Oedipe à Colonne. Ces deux derniers récits n'ont pas été traduits par son ami Davreu, à cause de son récent décès, ce qui a poussé Wajdi à retravailler ces textes sous une nouvelle forme, inspiré de sa vie et de ses voyages. Ainsi, le récit de Philoctète devient "Inflammation du verbe vivre", et le récit d'Oedipe à Colonne devient "Les larmes d'Oedipe".
Nous avons focalisé notre travail sur des extraits d'Inflammation du verbe vivre, et nous avons essayé d'être le plus fidèle à son univers particulier. En effet, dans sa pièce, Wajdi se donne le nom de Wahid et essaye de faire le deuil de son ami traducteur. Ainsi, tout en faisant un travail de recherche sur Philoctète, il se recherche lui même et voyage dans sa tête. Il rencontre des lieux et des personnages bien singuliers.
Notre priorité avant tout était de retranscrire cet univers déroutant sorti de l'imagination de Wahid. Nous avons beaucoup joué sur la grandeur et le remplissage des lieux, ainsi que l'intensité de la lumière. L'Hadès (l'enfer) présent au début de l'extrait devient un hôtel, où les âmes perdues peuvent passer ou y résider pour longtemps. Wajdi entre dans l'ascenseur de l'hôtel (il passe les portes de l'enfer) à l'aide de son guide personnel, Lefteris, qui l'invite à rejoindre les profondeurs de l'Hadès aux couloirs rouge flammes. Lorsque Wahid commence à prendre la parole (dans sa tête), on le voit pensif, comme effacé, figé aux côtés de Lefteris . La caméra le filme de la tête aux pieds, et c'est comme si il se voyait à travers nos yeux, comme s'il avait un regard "extérieur" sur lui. Puis Wahid bascule dans des lieux extérieurs qui lui font prendre conscience qu'il n'est rien à côté de ces grands immeubles et de ces grands bâtiments. Cela représente aussi le vide dans sa tête, qu'il cherche à fuir et qu'il cherche à combler. Il a perdu toute notion du temps, comme le montre ce plan où il reste figé sous l'eau. L'eau coule infiniment, et il ne semble pas pouvoir ce sortir de cela, il reste prisonnier de ses pensées, et cherche à se laver de son mal-être constant. Lorsque Wahid évoque le monde actuel dont il se sent en marge, des bribes de reportages et de pubs télévisées sont projetées.
Chaque nouveau lieu et chaque nouveau plan est une nouvelle métaphore de l'esprit de Wahid, où nous pouvons soit nous y perdre, soit nous y retrouver...